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鷹野隆大インタビュー【総合開館30周年記念 鷹野隆大 カスババ ―この日常を生きのびるために―】
鷹野隆大インタビュー【総合開館30周年記念 鷹野隆大 カスババ ―この日常を生きのびるために―】
動画：https://youtu.be/RoAoGiZ5w4Q
東京都写真美術館は今年、総合開館から30周年を迎えました。その特別な一年の最初を飾る展覧会が「鷹野隆大 カスババ ―この日常を生きのびるために―」。鷹野さんは1994年の初個展から、セクシュアリティと身体、都市と日常、写真の原理など、私たちが見て見ぬふりをしているもの、見過ごしてしまっているものへの関心を呼び起こす作品を発表してきました。本展がどのようなものになるのか、その思いと構想についてお話をうかがいました。
動画の内容を、テキストでもお読みいただけます。（日本語・英語）
2025 marks 30 years since the opening of the Tokyo Photographic Art Museum, and “Takano Ryudai: kasubaba Living through the ordinary” is the first exhibition held to mark this special year for TOP. Since his first solo exhibition in 1994, Takano has consistently presented works designed to evoke interest in that which we see but choose to ignore, and that which we overlook completely, on themes including sexuality and the body, the city and everyday life, and the fundamental principles of photography. In this interview he discussed his thoughts on this latest exhibition, and its underlying concepts.
The content of the video is also available as text. (Japanese and English)
―― 展覧会タイトル「カスババ ーこの日常を生きのびるためにー」に込めた想いとは。
「カスババ」というのは、私の造語で、カスのような場所の複数形でつけました。 写っている場所がカスだというふうに認定してるとかそういう意味じゃなくて、自分の日常性というものと関わり合う場所としてつけているので、例え写っている場所に住んでる方がいたとしても、カスのような場所だというふうに蔑まれてると思われるとちょっと困るんですけど、そういうつもりじゃなくて、非常に極めて日常性の極限であるということでつけました。
サブタイトル「この日常を生きのびるために」の方なんですけど、やはり日常というものがどんどんこう生きづらくなっているということを、最近私自身も感じているところがあり、なるべくさらっといきたいっていうのは常日頃思ってるんです。ですがこの状況になってですね、その辺をタイトルにも込めたいなということを思い、このサブタイトルにしました。何かしら自分の展示というものがそういう生きづらさとか、息苦しさみたいなものから、少し逃れる、あるいは緩めるみたいな、そういうふうに作用してくれるといいな、というふうに思って、このサブタイトルをつけました。
―― What is the idea behind the title “kasubaba Living through the ordinary”?
“Kasubaba” is a word I coined to mean places, plural, that are kasu, literally meaning dregs or scum. This doesn’t mean the locations shown qualify as being the pits, so to speak, but that they are places connected with my own ordinariness. So I’d hate anyone living in a place in one of the photos to think I was disparaging it. That is certainly not the intention: by kasu here I mean the absolute, utter, ultimate in ordinary.
As for the subtitle “Living through the ordinary”—lately, like many, I’ve been finding that ordinary increasingly difficult to live with, especially as someone who prefers life to be as smooth as possible. I wanted to incorporate a hint of that in the subtitle. I also chose it in the hope that what I’m showing here might serve as a small escape from that difficulty with living, that feeling of suffocation. Or at least help to ease those sensations.
―― 展示構成はどのようにお考えになったのでしょうか？
今回は「都市」「都市空間」というものをベースに、会場を構成しようというふうに考えました。「都市空間」っていろいろな場所が、例えばすごく整理された、近代的なビルが立ち並ぶ綺麗な空間であったりとか、場末のちょっとごちゃごちゃした空間であったりとか公園であったりとか、そういう様々な要素が混じっていて、そこである種オフィシャルなものからいかがわしいものまで、多分いろんなものがないまぜになってると思うんです。そういうものが、ある種ごちゃまぜのような状態で会場にある、ということを一つ考えていました。「都市」って例えば、機能的な都市の場合は、すごく入口出口みたいなものがはっきりわかれてるかもしれないです。
特に日本の「都市空間」というのは、複雑な様相を呈しているので、その辺の定まった形のない、不定形な形っていうものを会場に再現するということを考えました。今回は順路というものも明確にはなく、ある種全体が一つの広場みたいなものになっていて、自由に見て歩く回遊して歩くことができるような、そういう空間の中で所々にイメージがあるという、会場構成になっています。何となくそぞろ歩きに来るみたいな、そういう感覚で、作品も含め、この場所と接していただければなというふうに思っています。
―― What were your thoughts behind the layout for the exhibition?
The idea was to arrange the exhibition in a manner based on “the city” and urban spaces. Urban spaces are a jumble of elements, from clean, tidy neighborhoods with rows of neat modern buildings, to less orderly spaces on the fringes, parks and so on. So a diverse mix of things, from the kind of official, to the dubious. One idea I had therefore was to recreate that clutter in the gallery. Although “the city,” if it were functional, would probably have a very clear entrance and exit.
Japanese urban spaces take complexity to a whole new level, and to recreate that shapelessness, that irregularity of form, I chose to avoid designating a route around the exhibition, instead making the whole thing resemble a kind of town square to walk, wander around and view in whatever order you prefer, with various images dotted around this space. I’d like people to approach this place, including the works, almost as if they had come here for a stroll.
―― 出品作品〈CVD19〉について、お話をお聞かせください。
コロナのときの話っていうのは、多分、もう多くの人は実は忘れてしまっていることかもしれないんですけど、あの時は、人と人が触れ合うっていうことが非常にためらわれるっていう、自粛するというよりは、何かためらう、触れ合うことを嫌がるみたいな、そういう状況だったかなというふうに思います。
何かその異様さみたいなものを、今回その作品の中で表現してみたいなというふうに思っていました。人と人の関わり、触れるということは、今回の展示においてはもう一つのテーマだったりもするので、その辺との全体の関わりの中で、触れるけど触れていない、手袋をして他者と接するということの、今から見ると多分ちょっと変な感じのすることが、あの時にはむしろ正しいあり方であったっていうことも、そういうずれみたいなものをちょっともう1回、既に消えつつある状況の中、意識の中で、もう1回考えてみる機会になればいいかなというふうに思って今回展示しました。
―― Tell us about the work “CVD19” shown here.
I suspect many have actually already forgotten what things were like during the pandemic, but personally I wonder if it was not so much about a great hesitancy around interacting in person; about practicing considered self-restraint in one’s activities, as people somehow shying away, being loath to engage with each other.
I wanted to express the weirdness of that in this work. Relationships and contact between people is another theme of the exhibition, so I’ve displayed “CVD19” in the hope that in line with this theme as a whole, it will prompt viewers to return their thoughts, amid a set of conditions and mindset already vanishing, to the anomalies of those times; to when we did things that now seem a little odd, like touching yet not touching by wearing gloves for contact with others, but which back then, were on the contrary the correct way to do things.
―― 出品作品〈Red Room Project〉という作品についても、お話を聞かせてください。
これは技法的にはフォトグラムという技法になるんですけど、私としてはフォトグラムというつもりはあまりなくて、壁に映っている影をそのまま採集することを意識して作ったシリーズです。例えばフロッタージュという技法があるんですけど、床に置いてあるものを鉛筆でなぞってそのあとが残るみたいな形ですが、それに近いものというふうにもちょっと考えています。
もう一つのポイントとしては、印画紙は使っているんですけど、ある種カメラを使って、そのフィルム、あるいはCCDでもいいんですが、何か1回別のものに変換して、それをもう1回出力してイメージにしたものではなく、影がそのままそこにあるというところがちょっと私のこだわりです。影の写真ではない、影そのものであるという、影を持ち歩ける状態にしたっていうところがこのシリーズの特徴だと思っているので。何かそこの影というもののリアルさみたいなものを体感していただければな、というふうに思っています。
―― Tell us about the work “Red Room Project” shown her.
Though in technical terms, this series uses the technique known as the photogram, I personally did not really intend it as photograms, but made it by consciously collecting, capturing shadows exactly as they were thrown on the wall. There’s a technique known as frottage, tracing over what’s on the floor with a pencil to leave an image, and I thought I’d try something close to that.
Another point of interest here is that while I do use photographic paper, rather than using a certain kind of camera and converting the object into something else—say film, or CCD if you like—then outputting it again to get the image, I prefer to have the shadows there as they are. What distinguishes this series in my view is that rather than being photos of shadows, the works are actual shadows, shadows now in a portable state. Hopefully visitors will experience for themselves the realness of these shadows.
―― この展覧会は美術館総合開館30周年の展覧会でもあるわけですが、鷹野さんの作家活動とほぼその30年が重なっています。この30年間の写真とアートの世界の変化についてどうお考えでしょうか？
そうですね、確かに考えてみると、ある種同期した状態で東京都写真美術館とは歩んできたな、というふうに思っています。私が写真を始めたときに、イメージしていた写真というもののあり方であったり、表現形態であったりというものが、この多分30年間で本当に大きく変わってきていて、それと同時に写真美術館のあり方というものもすごく大きく変わっている。 そういう意味ではすごく感慨深いなというふうに思っています。
その変化の度合いというものが多分一番よく表れているのが新進作家展 なのではないか思っていて、私は毎年すごく注目して楽しみにしてる企画なんです。
私が写真美術館で初めて展示したのが2001年の「手探りのキッス 」という展覧会です。あれは話によると、新進作家展のある種の原点的な展覧会だったらしく、私は後でそのことを聞きました。だとすると、あの当時の展覧会のカタログからずっと見ていくと、やはりそれだけで日本の写真界っていうものが写真というものとどう関わってきたのかというのが見えるんじゃないかな、というふうに思ったりもしています。その中で自分がどう変化したかということも、ある意味、今回の展覧会で少し表すことができるのかもしれないな、というふうに思っています。 何かある種、感慨深いところがあるかなというふうに思います。
―― The exhibition also marks the 30th anniversary of the Tokyo Photographic Art Museum. This overlaps almost exactly with your own career as an artist. Any thoughts on that, and changes in the worlds of art and photography over these last three decades?
I suppose, thinking about it, in a way my journey has been in sync with that of TOP. My image of how photos should be, the expressive formats I use, have probably changed enormously in the 30 years since I first started taking photographs, and at the same time, the way the Tokyo Photographic Art Museum does things has also changed a great deal. In that sense I believe there may indeed be a profound connection.
I guess the extent of that change is shown most plainly in the Contemporary Japanese Photography exhibitions, which I watch out for and enjoy enormously every year. I first exhibited at the museum in the “Kiss in the Dark” show in 2001. Word has it that served as the starting point for the Contemporary Japanese Photography shows, although I only learned that later. That being the case, if you look at the catalogue from that exhibition, and then those that followed, I think just from that you can tell how the Japanese photography world has engaged with photographs over the years. This exhibition may also show a little, in a sense, of how I too have changed as part of that. So yes, there is something very close to home about the TOP anniversary.
「総合開館30周年記念 鷹野隆大 カスババ ―この日常を生きのびるために―」
2025年2月27日（木）～6月8日（日）
東京都写真美術館 2F展示室
https://topmuseum.jp/contents/exhibition/index-4826.html
TOP 30th Anniversary Takano Ryudai: kasubaba Living through the ordinary
Dates: February 27, 2025 – June 8
Venue: 2F Exhibition Gallery, Tokyo Photographic Art Museum
https://topmuseum.jp/e/contents/exhibition/index-4827.html
動画：https://youtu.be/RoAoGiZ5w4Q
東京都写真美術館は今年、総合開館から30周年を迎えました。その特別な一年の最初を飾る展覧会が「鷹野隆大 カスババ ―この日常を生きのびるために―」。鷹野さんは1994年の初個展から、セクシュアリティと身体、都市と日常、写真の原理など、私たちが見て見ぬふりをしているもの、見過ごしてしまっているものへの関心を呼び起こす作品を発表してきました。本展がどのようなものになるのか、その思いと構想についてお話をうかがいました。
動画の内容を、テキストでもお読みいただけます。（日本語・英語）
2025 marks 30 years since the opening of the Tokyo Photographic Art Museum, and “Takano Ryudai: kasubaba Living through the ordinary” is the first exhibition held to mark this special year for TOP. Since his first solo exhibition in 1994, Takano has consistently presented works designed to evoke interest in that which we see but choose to ignore, and that which we overlook completely, on themes including sexuality and the body, the city and everyday life, and the fundamental principles of photography. In this interview he discussed his thoughts on this latest exhibition, and its underlying concepts.
The content of the video is also available as text. (Japanese and English)
―― 展覧会タイトル「カスババ ーこの日常を生きのびるためにー」に込めた想いとは。
「カスババ」というのは、私の造語で、カスのような場所の複数形でつけました。 写っている場所がカスだというふうに認定してるとかそういう意味じゃなくて、自分の日常性というものと関わり合う場所としてつけているので、例え写っている場所に住んでる方がいたとしても、カスのような場所だというふうに蔑まれてると思われるとちょっと困るんですけど、そういうつもりじゃなくて、非常に極めて日常性の極限であるということでつけました。
サブタイトル「この日常を生きのびるために」の方なんですけど、やはり日常というものがどんどんこう生きづらくなっているということを、最近私自身も感じているところがあり、なるべくさらっといきたいっていうのは常日頃思ってるんです。ですがこの状況になってですね、その辺をタイトルにも込めたいなということを思い、このサブタイトルにしました。何かしら自分の展示というものがそういう生きづらさとか、息苦しさみたいなものから、少し逃れる、あるいは緩めるみたいな、そういうふうに作用してくれるといいな、というふうに思って、このサブタイトルをつけました。
―― What is the idea behind the title “kasubaba Living through the ordinary”?
“Kasubaba” is a word I coined to mean places, plural, that are kasu, literally meaning dregs or scum. This doesn’t mean the locations shown qualify as being the pits, so to speak, but that they are places connected with my own ordinariness. So I’d hate anyone living in a place in one of the photos to think I was disparaging it. That is certainly not the intention: by kasu here I mean the absolute, utter, ultimate in ordinary.
As for the subtitle “Living through the ordinary”—lately, like many, I’ve been finding that ordinary increasingly difficult to live with, especially as someone who prefers life to be as smooth as possible. I wanted to incorporate a hint of that in the subtitle. I also chose it in the hope that what I’m showing here might serve as a small escape from that difficulty with living, that feeling of suffocation. Or at least help to ease those sensations.
―― 展示構成はどのようにお考えになったのでしょうか？
今回は「都市」「都市空間」というものをベースに、会場を構成しようというふうに考えました。「都市空間」っていろいろな場所が、例えばすごく整理された、近代的なビルが立ち並ぶ綺麗な空間であったりとか、場末のちょっとごちゃごちゃした空間であったりとか公園であったりとか、そういう様々な要素が混じっていて、そこである種オフィシャルなものからいかがわしいものまで、多分いろんなものがないまぜになってると思うんです。そういうものが、ある種ごちゃまぜのような状態で会場にある、ということを一つ考えていました。「都市」って例えば、機能的な都市の場合は、すごく入口出口みたいなものがはっきりわかれてるかもしれないです。
特に日本の「都市空間」というのは、複雑な様相を呈しているので、その辺の定まった形のない、不定形な形っていうものを会場に再現するということを考えました。今回は順路というものも明確にはなく、ある種全体が一つの広場みたいなものになっていて、自由に見て歩く回遊して歩くことができるような、そういう空間の中で所々にイメージがあるという、会場構成になっています。何となくそぞろ歩きに来るみたいな、そういう感覚で、作品も含め、この場所と接していただければなというふうに思っています。
―― What were your thoughts behind the layout for the exhibition?
The idea was to arrange the exhibition in a manner based on “the city” and urban spaces. Urban spaces are a jumble of elements, from clean, tidy neighborhoods with rows of neat modern buildings, to less orderly spaces on the fringes, parks and so on. So a diverse mix of things, from the kind of official, to the dubious. One idea I had therefore was to recreate that clutter in the gallery. Although “the city,” if it were functional, would probably have a very clear entrance and exit.
Japanese urban spaces take complexity to a whole new level, and to recreate that shapelessness, that irregularity of form, I chose to avoid designating a route around the exhibition, instead making the whole thing resemble a kind of town square to walk, wander around and view in whatever order you prefer, with various images dotted around this space. I’d like people to approach this place, including the works, almost as if they had come here for a stroll.
―― 出品作品〈CVD19〉について、お話をお聞かせください。
コロナのときの話っていうのは、多分、もう多くの人は実は忘れてしまっていることかもしれないんですけど、あの時は、人と人が触れ合うっていうことが非常にためらわれるっていう、自粛するというよりは、何かためらう、触れ合うことを嫌がるみたいな、そういう状況だったかなというふうに思います。
何かその異様さみたいなものを、今回その作品の中で表現してみたいなというふうに思っていました。人と人の関わり、触れるということは、今回の展示においてはもう一つのテーマだったりもするので、その辺との全体の関わりの中で、触れるけど触れていない、手袋をして他者と接するということの、今から見ると多分ちょっと変な感じのすることが、あの時にはむしろ正しいあり方であったっていうことも、そういうずれみたいなものをちょっともう1回、既に消えつつある状況の中、意識の中で、もう1回考えてみる機会になればいいかなというふうに思って今回展示しました。
―― Tell us about the work “CVD19” shown here.
I suspect many have actually already forgotten what things were like during the pandemic, but personally I wonder if it was not so much about a great hesitancy around interacting in person; about practicing considered self-restraint in one’s activities, as people somehow shying away, being loath to engage with each other.
I wanted to express the weirdness of that in this work. Relationships and contact between people is another theme of the exhibition, so I’ve displayed “CVD19” in the hope that in line with this theme as a whole, it will prompt viewers to return their thoughts, amid a set of conditions and mindset already vanishing, to the anomalies of those times; to when we did things that now seem a little odd, like touching yet not touching by wearing gloves for contact with others, but which back then, were on the contrary the correct way to do things.
―― 出品作品〈Red Room Project〉という作品についても、お話を聞かせてください。
これは技法的にはフォトグラムという技法になるんですけど、私としてはフォトグラムというつもりはあまりなくて、壁に映っている影をそのまま採集することを意識して作ったシリーズです。例えばフロッタージュという技法があるんですけど、床に置いてあるものを鉛筆でなぞってそのあとが残るみたいな形ですが、それに近いものというふうにもちょっと考えています。
もう一つのポイントとしては、印画紙は使っているんですけど、ある種カメラを使って、そのフィルム、あるいはCCDでもいいんですが、何か1回別のものに変換して、それをもう1回出力してイメージにしたものではなく、影がそのままそこにあるというところがちょっと私のこだわりです。影の写真ではない、影そのものであるという、影を持ち歩ける状態にしたっていうところがこのシリーズの特徴だと思っているので。何かそこの影というもののリアルさみたいなものを体感していただければな、というふうに思っています。
―― Tell us about the work “Red Room Project” shown her.
Though in technical terms, this series uses the technique known as the photogram, I personally did not really intend it as photograms, but made it by consciously collecting, capturing shadows exactly as they were thrown on the wall. There’s a technique known as frottage, tracing over what’s on the floor with a pencil to leave an image, and I thought I’d try something close to that.
Another point of interest here is that while I do use photographic paper, rather than using a certain kind of camera and converting the object into something else—say film, or CCD if you like—then outputting it again to get the image, I prefer to have the shadows there as they are. What distinguishes this series in my view is that rather than being photos of shadows, the works are actual shadows, shadows now in a portable state. Hopefully visitors will experience for themselves the realness of these shadows.
―― この展覧会は美術館総合開館30周年の展覧会でもあるわけですが、鷹野さんの作家活動とほぼその30年が重なっています。この30年間の写真とアートの世界の変化についてどうお考えでしょうか？
そうですね、確かに考えてみると、ある種同期した状態で東京都写真美術館とは歩んできたな、というふうに思っています。私が写真を始めたときに、イメージしていた写真というもののあり方であったり、表現形態であったりというものが、この多分30年間で本当に大きく変わってきていて、それと同時に写真美術館のあり方というものもすごく大きく変わっている。 そういう意味ではすごく感慨深いなというふうに思っています。
その変化の度合いというものが多分一番よく表れているのが新進作家展 なのではないか思っていて、私は毎年すごく注目して楽しみにしてる企画なんです。
私が写真美術館で初めて展示したのが2001年の「手探りのキッス 」という展覧会です。あれは話によると、新進作家展のある種の原点的な展覧会だったらしく、私は後でそのことを聞きました。だとすると、あの当時の展覧会のカタログからずっと見ていくと、やはりそれだけで日本の写真界っていうものが写真というものとどう関わってきたのかというのが見えるんじゃないかな、というふうに思ったりもしています。その中で自分がどう変化したかということも、ある意味、今回の展覧会で少し表すことができるのかもしれないな、というふうに思っています。 何かある種、感慨深いところがあるかなというふうに思います。
―― The exhibition also marks the 30th anniversary of the Tokyo Photographic Art Museum. This overlaps almost exactly with your own career as an artist. Any thoughts on that, and changes in the worlds of art and photography over these last three decades?
I suppose, thinking about it, in a way my journey has been in sync with that of TOP. My image of how photos should be, the expressive formats I use, have probably changed enormously in the 30 years since I first started taking photographs, and at the same time, the way the Tokyo Photographic Art Museum does things has also changed a great deal. In that sense I believe there may indeed be a profound connection.
I guess the extent of that change is shown most plainly in the Contemporary Japanese Photography exhibitions, which I watch out for and enjoy enormously every year. I first exhibited at the museum in the “Kiss in the Dark” show in 2001. Word has it that served as the starting point for the Contemporary Japanese Photography shows, although I only learned that later. That being the case, if you look at the catalogue from that exhibition, and then those that followed, I think just from that you can tell how the Japanese photography world has engaged with photographs over the years. This exhibition may also show a little, in a sense, of how I too have changed as part of that. So yes, there is something very close to home about the TOP anniversary.
「総合開館30周年記念 鷹野隆大 カスババ ―この日常を生きのびるために―」
2025年2月27日（木）～6月8日（日）
東京都写真美術館 2F展示室
https://topmuseum.jp/contents/exhibition/index-4826.html
TOP 30th Anniversary Takano Ryudai: kasubaba Living through the ordinary
Dates: February 27, 2025 – June 8
Venue: 2F Exhibition Gallery, Tokyo Photographic Art Museum
https://topmuseum.jp/e/contents/exhibition/index-4827.html